Una agenda completa con variadas propuestas: música, teatro, cine, ferias, muestras y cursos que componen un programa de imperdibles
Tramo se complace en presentar Como es arriba, es abajo, una muestra colectiva en la que la trastienda de la galería sube a la sala principal. Obras que habitualmente permanecen “detrás” pasan a ocupar el espacio central, proponiendo un recorrido más abierto, directo y cercano.
Reúnen una selección de piezas de los artistas representados por la galería, disponibles con precios especiales por tiempo limitado. Una oportunidad para acercarse a sus prácticas, descubrir obras recientes y comenzar —o continuar— una colección con piezas significativas y accesibles.
La Galería Suipacha presenta El viaje recién comienza, la primera exposición fotográfica de Jorge Oneglia, un artista cuya sensibilidad y trayectoria audiovisual encuentran en la imagen fija una nueva forma de narrar. La muestra podrá visitarse a partir del 3 de diciembre, y se invita a los visitantes a explorar un universo donde la contemplación se convierte en experiencia. La obra de Oneglia indaga en la relación entre lo visual, emocional y psicológico. Curadora Vanesa Catellani:
Inauguración: 3 de diciembre a las 19. Hasta el 17 de diciembre 2025.
- Galería Suipacha, en Suipacha 1248, C. A. B. A.
No puedo vivir así, de Brenda Erdei. Una instalación conformada por pinturas hechas entre el año 2021 y 2025. En el centro de la sala se disponen obras de gran formato, sostenidas por soportes que las mantienen perpendiculares al piso. Estas retratan escenas domésticas de interiores de una casa sin personajes. Por su tamaño e ilusión de escala real generan un recorrido para el espectador, que simula un efecto de “espacio dentro del espacio”. En las paredes de la sala encontramos algunas pinturas que retratan a la artista como personaje en situaciones de intimidad, incomodidad o cierta violencia, en espacios poco definidos. En ambas series lo doméstico y la imagen propia como formas de representación de lo íntimo están afectadas por una tensión, un peligro latente. Curadora: Valeria Pecoraro. Inauguración: 27 de noviembre.Espacio circular del Centro Cultural Borges.
Veo Veo. El artista Leo Ocello exhibe su nueva obra Veo Veo en el Centro Cultural Borges, una instalación site specific que interviene el hall de entrada del espacio con líneas de luz que recorren, tensan y reformulan el entorno arquitectónico. La obra traza un mapa visual hecho de geometrías simples, señales lumínicas y estructuras ligeras que se apropian del espacio sin dominarlo, revelando zonas latentes e invitando a una percepción activa del entorno. Las intervenciones de Ocello funcionan como cartografías abiertas, marcando rutas sin destino, señalando sin indicar, iluminando sin funcionalidad directa. Acceso, planta baja.
Más aquí: Polesello 1970-2000. En el marco de la conmemoración por los 30 años del Centro Cultural Borges, se presentar Más aquí: Polesello 1970–2000, una exposición antológica dedicada a uno de los artistas más emblemáticos del arte óptico y cinético de América Latina: Rogelio Polesello. A poco más de diez años de su fallecimiento, esta muestra rinde homenaje a su legado mediante un recorrido por más de 150 obras realizadas durante tres décadas fundamentales de su producción. Se exhiben acrílicos tallados, monocopias, pinturas, obras sobre papel y piezas inéditas, que dan cuenta de su exploración constante de la percepción, la luz, el color y la forma. La muestra incluye una amplia selección de obras pertenecientes a la colección de Naná Gallardo, material de archivo del propio Polesello, así como piezas de colecciones privadas de todo el país. Curaduría: Santiago Villanueva. Espacio Berni.
El porvenir.Una exposición de Franco Fasoli, con curaduría de Joaquín Barrera, que revisita con pequeñas dosis de humor, alguna velada crítica y un fuerte componente de fantasía iconográfica tres momentos en la historia argentina en general y en particular del diseño programático del “ser nacional”. Esculturas de gran y mediano formato toman el espacio físico en diálogo con una serie de pinturas sobre tabla que se despliegan en las paredes de la sala y con un tríptico de obras que representan distintas etapas históricas de nuestro país. Espacio Borges.
Campesina roja. Es una representación fantasmagórica de una cosechadora similar a las utilizadas en la pampa húmeda argentina. Su forma se construye a partir de una especie de relevamiento forense de una cosechadora que quedó destruida luego de que, en medio de la operación, un desperfecto causó que fuera consumida por las llamas. Los paneles de fibra de vidrio que reconstruyen las superficies dañadas están sostenidos en altura por una estructura realizada con elementos construidos con chatarra procurada en las inmediaciones, que son a su vez el resultado del ciclo vital de una población de maquinaria agrícola precedente. La pieza de Carlos Huffmann sugiere una especie de genealogía interna de la tecnología productiva, marcada por ciclos incesantes de invención, uso, desgaste y obsolescencia, que se desarrolla en paralelo a la actividad biológica, tanto de la especie humana como del ecosistema en el cual desarrollan su actividad. El título de la obra es Campesina Roja, hace referencia al cuadro de Malevich titulado “Cuadrado rojo. Realismo pictórico de una campesina en dos dimensiones” de 1915. La instalación formó parte de la exposición Materia Forma y Poder en 2017. Octógono.
All Boys. Algunos proyectos insisten en permanecer. Pasan los años, cambian los nombres, los lugares, las certezas, pero algo persiste: la necesidad de volver a reunirse, de medir nuevamente las distancias y las afinidades. Esta tercera versión de All Boys, que ya tuvo su paso por Santa Fe y San Juan, llega al Centro Cultural Borges con nuevas obras, nuevas preguntas y una complicidad que sobrevive al paso del tiempo. El título nació como un guiño, casi una broma privada: una alusión al club de fútbol, un juego entre amigos. Con el tiempo, esa ironía inicial fue adquiriendo otros matices. Quizás allí resida parte de su sentido: un grupo de artistas que vuelve a encontrarse para revisar lo que fue, lo que sigue siendo y lo que, a fuerza de transformarse, todavía los une. No todos quisieron continuar en el proyecto; quienes sí lo hicieron —Fabio Kacero, Pablo Siquier, Fabián Burgos y Andrés Sobrino— aceptaron volver sobre una intensa historia compartida, con sus entusiasmos y contradicciones. En esta nueva etapa se suman Max Gómez Canle, Guillermo Iuso y Ernesto Ballesteros, ampliando el mapa de sensibilidades y perspectivas. Mientras que la presencia de Lucio Dorr se mantiene a través de su obra, como una forma de permanencia que enlaza pasado y presente.Curaduría: Fernando Farina. Espacio Bon Marché.
Disección reúne un conjunto de proyectos que indagan en las imágenes científicas para el estudio del cuerpo humano y animal. Desde fines del siglo XIX, la fotografía junto al microscopio y el desarrollo posterior de distintas tecnologías de la imagen, permitieron observar lo que hasta entonces permanecía invisible para el ojo humano, convirtiéndose en un instrumento clave para las ciencias biológicas y médicas. En una tentativa de equilibrio Lucia Peluffo excava en la historia de la fotografía y su utilización científica en la representación del cuerpo humano. Esta serie de fotografías fue realizada a partir de imágenes médicas de su propio cuerpo y la observación en microscopio de muestras de su piel, sangre y huesos, que luego pintó con acuarelas, recuperando una antigua técnica utilizada en el Hospital Saint-Louis de París durante el siglo XIX. Paula Proaño Mesías, por su parte, presenta Affectus, un trabajo que parte del caso del tucán Grecia -primera ave en recibir una prótesis de pico- para explorar los cruces entre la biología, la medicina reconstructiva y los instrumentos de domesticación animal. Aurora Castillo indaga en los mundos subacuáticos para aproximarse a otros modos de existencia. Una serie de fotografías tomadas con cámaras subacuáticas y lentes microscópicas registran el ecosistema intermareal de la costa chilena, junto a la pieza audiovisual Picorocos que atiende a las formas de percepción de estos crustáceos cirrípedos y sus vínculos con todo el entramado marino que hace posible la vida. Inauguración: 27 de noviembre. Espacio de fotografía.
El Surumpio. Surumpio, palabra quechua que nombra la ceguera provocada por el reflejo del sol en los salares, se propone como una instalación audiovisual híbrida que pone en diálogo la imagen en movimiento y la luz proyectada sobre un cúmulo de cristales de sal. La sala se vuelve espacio practicado para reflexionar sobre la noción de paisaje y el acto de percepción corporal, temporal y geológica. Esta exposición resulta de un proyecto de investigación de tesis de posgrado que Alejandra Isler -artista visual, directora de arte, escenógrafa- realizó sobre la dramaturgia y la representación del paisaje vinculadas a nociones científicas de la química, en torno a la materialidad de la sal agenciada en la instalación como práctica contemporánea. El concepto de “surumpio” conlleva una lectura ancestral del contexto geográfico y a una invocación mística de la naturaleza que se reformula para una instalación que opera sus reflejos en el black out de un entorno que provoca la percepción del visitante para ceder a la ceguera blanca del salar. Inauguración: 27 de noviembre.. Curaduría: Jorge La Ferla y Mariel Szlifman. Espacio Beta.
Horario de visita: de miércoles a domingos, de 14 a 21. Entrada gratuita.
- Centro Cultural Borges, Viamonte 525, CABA.
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Paula Castro: Jugar las pinturas
Curadora: Alejandra Aguado. Del 25 de octubre al 31 de diciembre de 2026. Inauguración para todas las familias: sábado 25 de octubre, a las 15:00.
Malba Puertos presenta una nueva edición de juegos escultóricos de la artista argentina Paula Castro, titulado Jugar las pinturas, y producido para sumarse al circuito de arte público de Puertos, este proyecto toma como punto de partida cinco obras de arte latinoamericano en las que la artista, en su constante investigación sobre los géneros, tradiciones y artistas de nuestra historia, busca elementos lúdicos capaces de disparar su creatividad, o motivos extraordinarios que generan en ella una sensación de asombro y emoción.
Esta serie de juegos escultóricos resulta de una investigación que la artista viene desarrollando desde 2021 y que recibió, desde entonces, los apoyos del Premio Azcuy 2021, del que resultó finalista, y de la Fundación Ama Amoedo, que le otorgó en 2023 su Beca de Artistas y le permitió así materializar una primera edición de tres de sus diseños. Estos han sido presentados públicamente en el Museo de la Cárcova, Universidad Nacional de las Artes, en junio de 2025 y permanecerán en exhibición allí hasta diciembre de este mismo año. Bajo el título Jugar las pinturas, el conjunto de cinco juegos que inaugura Puertos, producidos por Malba, incluye la reedición de dos de ellos y la presentación de tres diseños exclusivos inspirados en la colección del museo.
- Malba Puertos, en Alisal 160 Bahía, Puertos, Belén de Escobar, Provincia de Buenos Aires.
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Dos muestras nuevas en Herlitzka & Co.
Se inauguraron dos exposiciones en simultáneo. Con estas dos exposiciones, Herlitzka & Co. reafirma su compromiso con el arte contemporáneo latinoamericano, ofreciendo un espacio de diálogo entre lenguajes, generaciones y contextos culturales diversos. Tanto Ojo de agua como Plumarios invitan a reflexionar sobre la memoria y la potencia simbólica de materiales inusuales en el campo del arte, convirtiendo a la galería en un punto de encuentro para la sensibilidad y el pensamiento crítico.
Ojo de agua, la primera exhibición individual en la galería del artista argentino Hernán Salamanco. En sus pinturas, Salamanco convierte al entorno y al espectador en parte activa de la obra: el brillo del esmalte refleja y multiplica lo que sucede alrededor, integrando espacio, materia y mirada en una misma experiencia. Su producción explora la complejidad de los vínculos afectivos y sociales, y busca generar un campo abierto de resonancias emocionales accesible a todos, más allá de teorías o referencias eruditas. Desde el 15 de octubre hasta fin de 2025.
Plumarios, del artista peruano Mariano León, en la sala E. La serie reúne ensamblajes confeccionados con guantes mineros usados, que evocan mantos y estandartes prehispánicos de carácter ceremonial y bélico. Con este gesto, León entrelaza la tradición ancestral andina con el presente social y económico del Perú, donde la fuerza laboral minera (fundamental en la historia del país) atraviesa tensiones derivadas de los procesos globales de explotación y transformación de los territorios. Desde el 15 de octubre hasta fin de 2025.
Horario de visita: lunes a viernes, 11 a 19.
- Herlitzka & Co., Libertad 1630, C. A. B. A.
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Marcos López: Fotografías 1975 – 2025, en Fundación Larivière
Exhibido del 8 de noviembre de 2025 al 19 de abril de 2026.
La primera gran antología dedicada al célebre fotógrafo argentino. Con curaduría de Valeria González, la exposición reúne más de 200 obras que atraviesan cinco décadas de creación, desde sus inicios en Santa Fe hasta un conjunto de medio centenar de imágenes de los últimos cinco años, nunca antes exhibidas.
La muestra, que incluye medio centenar de fotografías pertenecientes al acervo de la Fundación, traza un recorrido completo por la obra de López. Incluye sus viajes por el mundo, contundentes retratos, puestas en escena de impronta pop, fotografías intervenidas, y piezas que dejaron huella en el imaginario colectivo. Se trata de un corpus de obra que evidencia la diversidad y potencia de su mirada sobre la identidad latinoamericana.
- Fundacion Lariviere, en Caboto 564, C. A. B. A.
Metales que cobran vida, de Ariel Scornik
Colección de 160 joyas de titanio, desfile de modelos + Colección María Kodama. Inauguración jueves 11 de diciembre en Azulay Art Gallery, Jueves 11/DIC – 19:00 – Azulay Art Gallery (Av. del Libertador 1028, CABA).
La nueva colección incluye anillos, collares, aros, pulseras y brazaletes de distintos colores y diseños realizadas en su mayoría en titanio. Se destacan: una pulsera y un collar de plata en homenaje a la Torre Eiffel. También se exhibeuna réplica del medallón que Scornik creó en forma exclusiva y le obsequió a la Reina Letizia de España para su boda con el Rey Felipe VI y en coincidencia con el Quinto Centenario del descubrimiento de América.
Sus joyas dialogan con cuatro esculturas de su creación. Además habrá un sector exclusivo en el que se exhibirá la “Colección María Kodama” (1937-2023). Las joyas de la viuda del célebre escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986) fueron gentilmente cedidas por su familia y se expondrán por primera vez en el país.
Abierta hasta el viernes 19 de diciembre.
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Muestras en el MALBA
Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s. Del 7 de noviembre de 2025 al 2 de febrero de 2026. En el Nivel 2. Esta muestra presenta un conjunto representativo de más de 120 piezas de 50 artistas, entre las que se encuentran obras del acervo de la Pinacoteca de San Pablo, y de las colecciones Roger Wright –considerada una de las más importantes de arte en Brasil dedicada a la producción artística de las décadas de 1960 y 1970– Malba y Costantini. Incluye obras de Anna Bella Geiger, Antônio Dias, Claudio Tozzi, Hélio Oiticica, Mira Schendel, Rubens Gerchman, Wanda Pimentel y Wesley Duke Lee, entre otros protagonistas fundamentales del período. Curadoría: Pollyana Quintella y Yuri Quevedo.
Valerie Brathwaite: Un propio andar fluyente. Del 7 de noviembre de 2025 al 2 de febrero de 2026. En el Nivel -1. Esta exposición reúne alrededor de cuarenta obras, entre dibujos y esculturas, que recorren la producción de Valerie Brathwaite (Trinidad y Tobago, 1938) desde los años 70 y destacan su producción reciente. Incluye una serie de obras sobre papel producidas entre 1972 y 2002 y un conjunto de esculturas blandas que la artista viene realizando desde 2004. A través de medios diversos y de un juego sutil entre abstracción y figuración, Brathwaite ofrece una mirada femenina de profunda raíz ecológica. Curaduría: Alejandra Aguado.
- Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), en Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA.
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Muestras en el Centro Cultural Recoleta
Lo que arrastra la corriente inauguró el 30 de octubre a las 18 y reúne obras de María Daud, Agustín Míguez e Inés Tillous, tres artistas que formaron parte de HÍBRIDA Laboratorio un espacio de experimentación y debate de proyectos (in)disciplinarios activo desde 2019. Desde la curaduría, la creación y la enseñanza, promueve la interrelación de prácticas para generar diálogos que desafíen nuestra manera de percibir y transformen nuestra forma de estar en el mundo. La muestra toma como eje el agua y los ríos, entendidos como espacio público, derecho humano y territorio afectivo. En la sala se encuentran diferentes acercamientos a tres cuencas importantes de Argentina. María Daud trabaja desde la memoria familiar y presenta un video y foto performances realizadas en el río Dulce en Santiago del Estero; Agustín Míguez exhibe un video animación 3D y un mural sobre el Litoral santafesino creando su propio mito sobre la transformación de esa zona, e Inés Tillous muestra un video, piezas gráficas y una serie de pinturas del río Choncancharava en Córdoba, transformado por el modelo agroexportador. Con curaduría de Mercedes Lozano y Violeta González Santos. En la sala 4.
Artistas y arquitectos: Bedel, Benedit, Testa en el Recoleta inauguró el 30 de octubre a las 18. En el marco de los 45 años de la inauguración del Recoleta, se presenta esta exposición que se centra en el proyecto arquitectónico del Centro Cultural realizado por los artistas y arquitectos Jacques Bedel, Luis F. Benedit y Clorindo Testa, hecho que se contextualiza con su producción artística de la décadas del 70 y 80, período en que se concretó la remodelación edilicia. La exposición incluye Fragmentaciones de Jacques Bedel, un conjunto de sus obras de los últimos años. En Sala 7, los visitantes se encontrarán con la producción artística de la década del 70 de Bedel, Benedit y Testa. Sus búsquedas personales así como las obras, registros fotográficos y bocetos de su participación, en tanto integrantes del Grupo de los Trece, en la XIV Bienal de San Pablo de 1977 donde obtuvieron el Gran Premio Itamaraty otorgado por el Ministerio de Relaciones Exteriores, que implicó su consagración internacional. En Sala 8 se despliega el proyecto arquitectónico, planos, decretos, fotografías del proceso de la obra y artículos periodísticos. También se exhiben obras de la década de 80 en donde las propuestas de los creadores se centran en la historia de América. En Sala 9 se presenta Fragmentaciones de Jacques Bedel, un conjunto de obras producidas entre 2017 y 2025 en las que experimenta con lo más variados materiales -polietileno, PVC laminado, PMMA, PVC tejido, sílice, cuarzo, policarbonato- para crear piezas a una escala monumental que remiten a lo sublime. Con curaduría de Cecilia Rabossi.
Ombligo inauguró el 30 de octubre a las 18. Exhibición seleccionada en el marco de la Convocatoria para artistas y proyectos curatoriales 2025 del Centro Cultural Recoleta. A través de un conjunto de pinturas de gran formato y una extensa serie de esculturas blandas, esta exposición de las artistas Jazmín Kullock y Porkeria Mala explora a través del género del autorretrato, la dimensión social de lo íntimo, la conflictividad afectiva del reconocimiento mutuo y la sinceridad del reflejo grotesco. Con curaduría de Nicolás Cuello. En la sala 10.
Punto de mira, de María Martha Pichel, inauguró el 30 de octubre a las 18. Esta exposición está integrada por una serie de obras en las que el círculo, figura recurrente en la producción de la artista, se convierte en objetivo, diana, contención. A partir de esa figura geométrica, la artista propone un cruce entre su obra y el universo del tiro con arco y flecha. Ambas disciplinas -el arte geométrico y la arquería- comparten una ética del gesto preciso: concentración, tensión, inmovilidad y deseo. Las obras exhibidas son Engranaje (acrílico sobre tela, 2025), Maquinaria (acrílico sobre tela, 2025), Serpiente azul (acrílico sobre tela, 2025). Con curaduría de Laura Isola. En la sala 13.
Políticas del sabor es una exposición colectiva curada por Larisa Zmud que cruza arte contemporáneo y cocinas comunitarias como prácticas de imaginación y resistencia. A partir de experiencias colectivas de distintos países y de obras de artistas de distintas épocas, propone pensar la cocina como espacio político, poético y de cuidado. Inaugurada el 13 de noviembre. En la sala Cronopios.
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Cultura Agenda
Guía de Arte y Cultura: semana del 19 al 26 de diciembre
Una agenda completa con variadas propuestas: música, teatro, cine, ferias, muestras y cursos que componen un programa de imperdibles
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19 Dic, 2025 00:30 a.m. AR
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Como es arriba, es abajo
Retiro de AFP: ¿Qué afiliados reciben la primera UIT hasta hoy 26 de diciembre?
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Tramo se complace en presentar Como es arriba, es abajo, una muestra colectiva en la que la trastienda de la galería sube a la sala principal. Obras que habitualmente permanecen “detrás” pasan a ocupar el espacio central, proponiendo un recorrido más abierto, directo y cercano.
Reúnen una selección de piezas de los artistas representados por la galería, disponibles con precios especiales por tiempo limitado. Una oportunidad para acercarse a sus prácticas, descubrir obras recientes y comenzar —o continuar— una colección con piezas significativas y accesibles.
Guía de Arte y Cultura: semana del 26 de diciembre al 2 de enero
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Desde el jueves 4 de diciembre. Se puede visitar de lunes a viernes, de 14 a 19.
- Tramo, en Av. Alvear 1580 PB, C. A. B. A.
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El viaje recién comienza – Primera exposición fotográfica de Jorge Oneglia
La Galería Suipacha presenta El viaje recién comienza, la primera exposición fotográfica de Jorge Oneglia, un artista cuya sensibilidad y trayectoria audiovisual encuentran en la imagen fija una nueva forma de narrar. La muestra podrá visitarse a partir del 3 de diciembre, y se invita a los visitantes a explorar un universo donde la contemplación se convierte en experiencia. La obra de Oneglia indaga en la relación entre lo visual, emocional y psicológico. Curadora Vanesa Catellani:
Inauguración: 3 de diciembre a las 19. Hasta el 17 de diciembre 2025.
- Galería Suipacha, en Suipacha 1248, C. A. B. A.
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Arte en el Centro Cultural Borges
No puedo vivir así, de Brenda Erdei. Una instalación conformada por pinturas hechas entre el año 2021 y 2025. En el centro de la sala se disponen obras de gran formato, sostenidas por soportes que las mantienen perpendiculares al piso. Estas retratan escenas domésticas de interiores de una casa sin personajes. Por su tamaño e ilusión de escala real generan un recorrido para el espectador, que simula un efecto de “espacio dentro del espacio”. En las paredes de la sala encontramos algunas pinturas que retratan a la artista como personaje en situaciones de intimidad, incomodidad o cierta violencia, en espacios poco definidos. En ambas series lo doméstico y la imagen propia como formas de representación de lo íntimo están afectadas por una tensión, un peligro latente. Curadora: Valeria Pecoraro. Inauguración: 27 de noviembre.Espacio circular del Centro Cultural Borges.
Veo Veo. El artista Leo Ocello exhibe su nueva obra Veo Veo en el Centro Cultural Borges, una instalación site specific que interviene el hall de entrada del espacio con líneas de luz que recorren, tensan y reformulan el entorno arquitectónico. La obra traza un mapa visual hecho de geometrías simples, señales lumínicas y estructuras ligeras que se apropian del espacio sin dominarlo, revelando zonas latentes e invitando a una percepción activa del entorno. Las intervenciones de Ocello funcionan como cartografías abiertas, marcando rutas sin destino, señalando sin indicar, iluminando sin funcionalidad directa. Acceso, planta baja.
Más aquí: Polesello 1970-2000. En el marco de la conmemoración por los 30 años del Centro Cultural Borges, se presentar Más aquí: Polesello 1970–2000, una exposición antológica dedicada a uno de los artistas más emblemáticos del arte óptico y cinético de América Latina: Rogelio Polesello. A poco más de diez años de su fallecimiento, esta muestra rinde homenaje a su legado mediante un recorrido por más de 150 obras realizadas durante tres décadas fundamentales de su producción. Se exhiben acrílicos tallados, monocopias, pinturas, obras sobre papel y piezas inéditas, que dan cuenta de su exploración constante de la percepción, la luz, el color y la forma. La muestra incluye una amplia selección de obras pertenecientes a la colección de Naná Gallardo, material de archivo del propio Polesello, así como piezas de colecciones privadas de todo el país. Curaduría: Santiago Villanueva. Espacio Berni.
El porvenir.Una exposición de Franco Fasoli, con curaduría de Joaquín Barrera, que revisita con pequeñas dosis de humor, alguna velada crítica y un fuerte componente de fantasía iconográfica tres momentos en la historia argentina en general y en particular del diseño programático del “ser nacional”. Esculturas de gran y mediano formato toman el espacio físico en diálogo con una serie de pinturas sobre tabla que se despliegan en las paredes de la sala y con un tríptico de obras que representan distintas etapas históricas de nuestro país. Espacio Borges.
Campesina roja. Es una representación fantasmagórica de una cosechadora similar a las utilizadas en la pampa húmeda argentina. Su forma se construye a partir de una especie de relevamiento forense de una cosechadora que quedó destruida luego de que, en medio de la operación, un desperfecto causó que fuera consumida por las llamas. Los paneles de fibra de vidrio que reconstruyen las superficies dañadas están sostenidos en altura por una estructura realizada con elementos construidos con chatarra procurada en las inmediaciones, que son a su vez el resultado del ciclo vital de una población de maquinaria agrícola precedente. La pieza de Carlos Huffmann sugiere una especie de genealogía interna de la tecnología productiva, marcada por ciclos incesantes de invención, uso, desgaste y obsolescencia, que se desarrolla en paralelo a la actividad biológica, tanto de la especie humana como del ecosistema en el cual desarrollan su actividad. El título de la obra es Campesina Roja, hace referencia al cuadro de Malevich titulado “Cuadrado rojo. Realismo pictórico de una campesina en dos dimensiones” de 1915. La instalación formó parte de la exposición Materia Forma y Poder en 2017. Octógono.
All Boys. Algunos proyectos insisten en permanecer. Pasan los años, cambian los nombres, los lugares, las certezas, pero algo persiste: la necesidad de volver a reunirse, de medir nuevamente las distancias y las afinidades. Esta tercera versión de All Boys, que ya tuvo su paso por Santa Fe y San Juan, llega al Centro Cultural Borges con nuevas obras, nuevas preguntas y una complicidad que sobrevive al paso del tiempo. El título nació como un guiño, casi una broma privada: una alusión al club de fútbol, un juego entre amigos. Con el tiempo, esa ironía inicial fue adquiriendo otros matices. Quizás allí resida parte de su sentido: un grupo de artistas que vuelve a encontrarse para revisar lo que fue, lo que sigue siendo y lo que, a fuerza de transformarse, todavía los une. No todos quisieron continuar en el proyecto; quienes sí lo hicieron —Fabio Kacero, Pablo Siquier, Fabián Burgos y Andrés Sobrino— aceptaron volver sobre una intensa historia compartida, con sus entusiasmos y contradicciones. En esta nueva etapa se suman Max Gómez Canle, Guillermo Iuso y Ernesto Ballesteros, ampliando el mapa de sensibilidades y perspectivas. Mientras que la presencia de Lucio Dorr se mantiene a través de su obra, como una forma de permanencia que enlaza pasado y presente.Curaduría: Fernando Farina. Espacio Bon Marché.
Peau #5. Série: Une tentative
Peau #5. Série: Une tentative d’équilibre
Disección reúne un conjunto de proyectos que indagan en las imágenes científicas para el estudio del cuerpo humano y animal. Desde fines del siglo XIX, la fotografía junto al microscopio y el desarrollo posterior de distintas tecnologías de la imagen, permitieron observar lo que hasta entonces permanecía invisible para el ojo humano, convirtiéndose en un instrumento clave para las ciencias biológicas y médicas. En una tentativa de equilibrio Lucia Peluffo excava en la historia de la fotografía y su utilización científica en la representación del cuerpo humano. Esta serie de fotografías fue realizada a partir de imágenes médicas de su propio cuerpo y la observación en microscopio de muestras de su piel, sangre y huesos, que luego pintó con acuarelas, recuperando una antigua técnica utilizada en el Hospital Saint-Louis de París durante el siglo XIX. Paula Proaño Mesías, por su parte, presenta Affectus, un trabajo que parte del caso del tucán Grecia -primera ave en recibir una prótesis de pico- para explorar los cruces entre la biología, la medicina reconstructiva y los instrumentos de domesticación animal. Aurora Castillo indaga en los mundos subacuáticos para aproximarse a otros modos de existencia. Una serie de fotografías tomadas con cámaras subacuáticas y lentes microscópicas registran el ecosistema intermareal de la costa chilena, junto a la pieza audiovisual Picorocos que atiende a las formas de percepción de estos crustáceos cirrípedos y sus vínculos con todo el entramado marino que hace posible la vida. Inauguración: 27 de noviembre. Espacio de fotografía.
El Surumpio. Surumpio, palabra quechua que nombra la ceguera provocada por el reflejo del sol en los salares, se propone como una instalación audiovisual híbrida que pone en diálogo la imagen en movimiento y la luz proyectada sobre un cúmulo de cristales de sal. La sala se vuelve espacio practicado para reflexionar sobre la noción de paisaje y el acto de percepción corporal, temporal y geológica. Esta exposición resulta de un proyecto de investigación de tesis de posgrado que Alejandra Isler -artista visual, directora de arte, escenógrafa- realizó sobre la dramaturgia y la representación del paisaje vinculadas a nociones científicas de la química, en torno a la materialidad de la sal agenciada en la instalación como práctica contemporánea. El concepto de “surumpio” conlleva una lectura ancestral del contexto geográfico y a una invocación mística de la naturaleza que se reformula para una instalación que opera sus reflejos en el black out de un entorno que provoca la percepción del visitante para ceder a la ceguera blanca del salar. Inauguración: 27 de noviembre.. Curaduría: Jorge La Ferla y Mariel Szlifman. Espacio Beta.
Horario de visita: de miércoles a domingos, de 14 a 21. Entrada gratuita.
- Centro Cultural Borges, Viamonte 525, CABA.
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Paula Castro: Jugar las pinturas
Curadora: Alejandra Aguado. Del 25 de octubre al 31 de diciembre de 2026. Inauguración para todas las familias: sábado 25 de octubre, a las 15:00.
Malba Puertos presenta una nueva edición de juegos escultóricos de la artista argentina Paula Castro, titulado Jugar las pinturas, y producido para sumarse al circuito de arte público de Puertos, este proyecto toma como punto de partida cinco obras de arte latinoamericano en las que la artista, en su constante investigación sobre los géneros, tradiciones y artistas de nuestra historia, busca elementos lúdicos capaces de disparar su creatividad, o motivos extraordinarios que generan en ella una sensación de asombro y emoción.
Esta serie de juegos escultóricos resulta de una investigación que la artista viene desarrollando desde 2021 y que recibió, desde entonces, los apoyos del Premio Azcuy 2021, del que resultó finalista, y de la Fundación Ama Amoedo, que le otorgó en 2023 su Beca de Artistas y le permitió así materializar una primera edición de tres de sus diseños. Estos han sido presentados públicamente en el Museo de la Cárcova, Universidad Nacional de las Artes, en junio de 2025 y permanecerán en exhibición allí hasta diciembre de este mismo año. Bajo el título Jugar las pinturas, el conjunto de cinco juegos que inaugura Puertos, producidos por Malba, incluye la reedición de dos de ellos y la presentación de tres diseños exclusivos inspirados en la colección del museo.
- Malba Puertos, en Alisal 160 Bahía, Puertos, Belén de Escobar, Provincia de Buenos Aires.
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Dos muestras nuevas en Herlitzka & Co.
Se inauguraron dos exposiciones en simultáneo. Con estas dos exposiciones, Herlitzka & Co. reafirma su compromiso con el arte contemporáneo latinoamericano, ofreciendo un espacio de diálogo entre lenguajes, generaciones y contextos culturales diversos. Tanto Ojo de agua como Plumarios invitan a reflexionar sobre la memoria y la potencia simbólica de materiales inusuales en el campo del arte, convirtiendo a la galería en un punto de encuentro para la sensibilidad y el pensamiento crítico.
Ojo de agua, la primera exhibición individual en la galería del artista argentino Hernán Salamanco. En sus pinturas, Salamanco convierte al entorno y al espectador en parte activa de la obra: el brillo del esmalte refleja y multiplica lo que sucede alrededor, integrando espacio, materia y mirada en una misma experiencia. Su producción explora la complejidad de los vínculos afectivos y sociales, y busca generar un campo abierto de resonancias emocionales accesible a todos, más allá de teorías o referencias eruditas. Desde el 15 de octubre hasta fin de 2025.
Plumarios, del artista peruano Mariano León, en la sala E. La serie reúne ensamblajes confeccionados con guantes mineros usados, que evocan mantos y estandartes prehispánicos de carácter ceremonial y bélico. Con este gesto, León entrelaza la tradición ancestral andina con el presente social y económico del Perú, donde la fuerza laboral minera (fundamental en la historia del país) atraviesa tensiones derivadas de los procesos globales de explotación y transformación de los territorios. Desde el 15 de octubre hasta fin de 2025.
Horario de visita: lunes a viernes, 11 a 19.
- Herlitzka & Co., Libertad 1630, C. A. B. A.
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Marcos López: Fotografías 1975 – 2025, en Fundación Larivière
Exhibido del 8 de noviembre de 2025 al 19 de abril de 2026.
La primera gran antología dedicada al célebre fotógrafo argentino. Con curaduría de Valeria González, la exposición reúne más de 200 obras que atraviesan cinco décadas de creación, desde sus inicios en Santa Fe hasta un conjunto de medio centenar de imágenes de los últimos cinco años, nunca antes exhibidas.
La muestra, que incluye medio centenar de fotografías pertenecientes al acervo de la Fundación, traza un recorrido completo por la obra de López. Incluye sus viajes por el mundo, contundentes retratos, puestas en escena de impronta pop, fotografías intervenidas, y piezas que dejaron huella en el imaginario colectivo. Se trata de un corpus de obra que evidencia la diversidad y potencia de su mirada sobre la identidad latinoamericana.
- Fundacion Lariviere, en Caboto 564, C. A. B. A.
Metales que cobran vida, de Ariel Scornik
Colección de 160 joyas de titanio, desfile de modelos + Colección María Kodama. Inauguración jueves 11 de diciembre en Azulay Art Gallery, Jueves 11/DIC – 19:00 – Azulay Art Gallery (Av. del Libertador 1028, CABA).
La nueva colección incluye anillos, collares, aros, pulseras y brazaletes de distintos colores y diseños realizadas en su mayoría en titanio. Se destacan: una pulsera y un collar de plata en homenaje a la Torre Eiffel. También se exhibeuna réplica del medallón que Scornik creó en forma exclusiva y le obsequió a la Reina Letizia de España para su boda con el Rey Felipe VI y en coincidencia con el Quinto Centenario del descubrimiento de América.
Sus joyas dialogan con cuatro esculturas de su creación. Además habrá un sector exclusivo en el que se exhibirá la “Colección María Kodama” (1937-2023). Las joyas de la viuda del célebre escritor argentino Jorge Luis Borges (1899-1986) fueron gentilmente cedidas por su familia y se expondrán por primera vez en el país.
Abierta hasta el viernes 19 de diciembre.
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Muestras en el MALBA
Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s. Del 7 de noviembre de 2025 al 2 de febrero de 2026. En el Nivel 2. Esta muestra presenta un conjunto representativo de más de 120 piezas de 50 artistas, entre las que se encuentran obras del acervo de la Pinacoteca de San Pablo, y de las colecciones Roger Wright –considerada una de las más importantes de arte en Brasil dedicada a la producción artística de las décadas de 1960 y 1970– Malba y Costantini. Incluye obras de Anna Bella Geiger, Antônio Dias, Claudio Tozzi, Hélio Oiticica, Mira Schendel, Rubens Gerchman, Wanda Pimentel y Wesley Duke Lee, entre otros protagonistas fundamentales del período. Curadoría: Pollyana Quintella y Yuri Quevedo.
Valerie Brathwaite: Un propio andar fluyente. Del 7 de noviembre de 2025 al 2 de febrero de 2026. En el Nivel -1. Esta exposición reúne alrededor de cuarenta obras, entre dibujos y esculturas, que recorren la producción de Valerie Brathwaite (Trinidad y Tobago, 1938) desde los años 70 y destacan su producción reciente. Incluye una serie de obras sobre papel producidas entre 1972 y 2002 y un conjunto de esculturas blandas que la artista viene realizando desde 2004. A través de medios diversos y de un juego sutil entre abstracción y figuración, Brathwaite ofrece una mirada femenina de profunda raíz ecológica. Curaduría: Alejandra Aguado.
- Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), en Av. Figueroa Alcorta 3415, CABA.
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Muestras en el Centro Cultural Recoleta
Lo que arrastra la corriente inauguró el 30 de octubre a las 18 y reúne obras de María Daud, Agustín Míguez e Inés Tillous, tres artistas que formaron parte de HÍBRIDA Laboratorio un espacio de experimentación y debate de proyectos (in)disciplinarios activo desde 2019. Desde la curaduría, la creación y la enseñanza, promueve la interrelación de prácticas para generar diálogos que desafíen nuestra manera de percibir y transformen nuestra forma de estar en el mundo. La muestra toma como eje el agua y los ríos, entendidos como espacio público, derecho humano y territorio afectivo. En la sala se encuentran diferentes acercamientos a tres cuencas importantes de Argentina. María Daud trabaja desde la memoria familiar y presenta un video y foto performances realizadas en el río Dulce en Santiago del Estero; Agustín Míguez exhibe un video animación 3D y un mural sobre el Litoral santafesino creando su propio mito sobre la transformación de esa zona, e Inés Tillous muestra un video, piezas gráficas y una serie de pinturas del río Choncancharava en Córdoba, transformado por el modelo agroexportador. Con curaduría de Mercedes Lozano y Violeta González Santos. En la sala 4.
Artistas y arquitectos: Bedel, Benedit, Testa en el Recoleta inauguró el 30 de octubre a las 18. En el marco de los 45 años de la inauguración del Recoleta, se presenta esta exposición que se centra en el proyecto arquitectónico del Centro Cultural realizado por los artistas y arquitectos Jacques Bedel, Luis F. Benedit y Clorindo Testa, hecho que se contextualiza con su producción artística de la décadas del 70 y 80, período en que se concretó la remodelación edilicia. La exposición incluye Fragmentaciones de Jacques Bedel, un conjunto de sus obras de los últimos años. En Sala 7, los visitantes se encontrarán con la producción artística de la década del 70 de Bedel, Benedit y Testa. Sus búsquedas personales así como las obras, registros fotográficos y bocetos de su participación, en tanto integrantes del Grupo de los Trece, en la XIV Bienal de San Pablo de 1977 donde obtuvieron el Gran Premio Itamaraty otorgado por el Ministerio de Relaciones Exteriores, que implicó su consagración internacional. En Sala 8 se despliega el proyecto arquitectónico, planos, decretos, fotografías del proceso de la obra y artículos periodísticos. También se exhiben obras de la década de 80 en donde las propuestas de los creadores se centran en la historia de América. En Sala 9 se presenta Fragmentaciones de Jacques Bedel, un conjunto de obras producidas entre 2017 y 2025 en las que experimenta con lo más variados materiales -polietileno, PVC laminado, PMMA, PVC tejido, sílice, cuarzo, policarbonato- para crear piezas a una escala monumental que remiten a lo sublime. Con curaduría de Cecilia Rabossi.
Ombligo inauguró el 30 de octubre a las 18. Exhibición seleccionada en el marco de la Convocatoria para artistas y proyectos curatoriales 2025 del Centro Cultural Recoleta. A través de un conjunto de pinturas de gran formato y una extensa serie de esculturas blandas, esta exposición de las artistas Jazmín Kullock y Porkeria Mala explora a través del género del autorretrato, la dimensión social de lo íntimo, la conflictividad afectiva del reconocimiento mutuo y la sinceridad del reflejo grotesco. Con curaduría de Nicolás Cuello. En la sala 10.
Punto de mira, de María Martha Pichel, inauguró el 30 de octubre a las 18. Esta exposición está integrada por una serie de obras en las que el círculo, figura recurrente en la producción de la artista, se convierte en objetivo, diana, contención. A partir de esa figura geométrica, la artista propone un cruce entre su obra y el universo del tiro con arco y flecha. Ambas disciplinas -el arte geométrico y la arquería- comparten una ética del gesto preciso: concentración, tensión, inmovilidad y deseo. Las obras exhibidas son Engranaje (acrílico sobre tela, 2025), Maquinaria (acrílico sobre tela, 2025), Serpiente azul (acrílico sobre tela, 2025). Con curaduría de Laura Isola. En la sala 13.
Políticas del sabor es una exposición colectiva curada por Larisa Zmud que cruza arte contemporáneo y cocinas comunitarias como prácticas de imaginación y resistencia. A partir de experiencias colectivas de distintos países y de obras de artistas de distintas épocas, propone pensar la cocina como espacio político, poético y de cuidado. Inaugurada el 13 de noviembre. En la sala Cronopios.
Fronteras blandas, curada por Javier Villa, la exposición reúne una serie de proyectos de Jimena Croceri (Cutral-Có, 1981), Carlos Gradin (Buenos Aires, 1980) y María Candelaria Traverso (Córdoba, 1991), quienes imaginan cómo restablecer los vínculos que tenemos con el agua. A través de cartografías poéticas diversas, la abordan como recurso vital y común pero también como un presencia activa e indomable capaz de articular cuerpos, comunidades y memorias. Inaugurada el 13 de noviembre. En la sala C.
Visión imposible se titula la exposición individual del artista Mariano Ullua (Mar del Plata, 1976), con curaduría de Carla Barbero. Se trata de un proyecto desarrollado especialmente para el CCR: una gran instalación escultórica que da continuidad a la investigación del artista en torno al modelado de hierro dulce, un material industrial que trabaja como si fueran líneas en el espacio, desplazando el dibujo hacia el plano tridimensional. Inaugurada el 13 de noviembre. En la sala J.
Homenaje a Carlos Gorriarena abarca el centenario de su nacimiento y se presenta en la Sala Histórica. La exhibición incluye obras como Vidriera (2000) e Irisada luz del atardecer (1977).La actual selección aborda temas presentes en su obra, entre ellos los reclamos de justicia y las tensiones sociales. Inauguró el 17 de diciembre.
CONTENIDOS AUDIOVISUALES
Ojos en el cielo
Bitácora de la Exposición: Ojos en el Cielo
Curaduría : Silvia Gurfein
Observar el cielo ha sido para mí un modo de pensar y habitar la tierra, como si comprender lo que se ve y ocurre en el espacio(el movimiento perpetuo de las nubes y la belleza de sus formas, las rotaciones de los planetas o los estallidos de las estrellas) fuera el lenguaje, el vocabulario para escribir y aprender la forma de vivir en este mundo. La heterogeneidad de mis inquietudes e intereses se despliega en diversos temas, soportes y materialidades. Lo mismo ocurre cuando estoy en el rol de curadora.El tema del cielo tendrá entonces diferentes modos de aparecer en mi trabajo. Agrupar a lxs artistas que se conectan con ese mismo interés, conversar con ellxs y exponer sus ideas y obras es una forma de ampliar mis propias observaciones, de encontrar maneras alternativas de traducir y materializar ese amor y acercarlo al público para que comparta ese particular interés.
